中国美术简史视频教学及笔记
中国美术简史视频教学及笔记中国美术简史视频教学
[url]http://www.scopen.net/asfroot/scddip/zgmsjs/[/url]
中国美术简史笔记
[url]http://www.shw.cn/91shbk/meisujieshi/aaaa.htm[/url] 这么重的帖子得有人尊重！
！！！！！！！！！ 很好的资料啊 顶了 楼主太神了,上哪里找的这么好的资料,一定的顶 强烈要求给这个帖子加精!!!!楼主还能不能找到外国美术史啊?嘿嘿,我是不是有点得寸进尺... ddddddddddddddddddddddd 60．审美感知
是审美主体调动相应的感觉器官对以具体形态存在的艺术作品实现感性掌握。
审美感知的敏锐、细腻、丰富，为艺术鉴赏的进一步深人，奠定了必要的基础。不同门类的艺术作品，其材料和媒介不同，因此，接受者审美感知的方式也有所不同。视觉感官和听觉感官，是人类高度发展了的两种审美感官。艺术鉴赏的审美感知主要就是运用视觉和听觉。像鉴赏绘画、雕塑、书法、摄影等艺术作品，是纯视觉感知；鉴赏音乐艺术作品，是纯听觉感知；鉴赏戏剧、电影等艺，术作品，则是视听综合感知。文学的情况比较特殊。文学作品以语言为惟一的材料和媒介，其形象体系是间接的。接受者要感知文学作品的形象体系，需要经过一个再造想像的心理过程，将其复现于头脑之中。对文学作品的审美感知，是心理的感知，而非现实的感知。通感是审美感知的一种特殊现象。所谓通感，又称联觉，指由对象的特性所引发的不同感觉之间的渗透、沟通、转换。它是艺术鉴赏中不可缺少的环节，它可以使人的感觉延伸、拓展由一种感觉发展为多种感觉，从而达到审美感知立体化的效果。例如，我们聆听俄罗斯音乐家鲍罗丁的交响乐曲《在中亚细亚草原上》即可由那节奏低沉徐缓而单调的听觉形象，扩展到视觉形象，在头脑中浮现出一幅隐约的视觉画面：一片广袤而荒凉的原野，一支满载着各种富于异域情调的货物的商队，由远而近，缓缓走来，又走向远方，最终消失在地平线上。接受者观看挪威画家蒙克的绘画作品《呼喊》，可能会觉得似乎听到了那孤独者所发出的令人灵魂颤栗地喊叫声。通感在艺术鉴赏中的出现，可以使接受者的审美感知领域得到有效的拓展。
审美感知不仅与艺术作品的外在形式美相联系，而且已经开始涉及到了艺术作品的内在审美意义。当然，对审美意蕴的深入发掘，还有待于更多心理要素的积极活动。
61．艺术思潮
是指在一定社会条件下，由于受到一定的社会思潮和哲学思潮的影响，艺术领域所出现的具有较大影响的思想潮流和创作倾向。
艺术思潮的产生有几个基本条例。 首先艺术思潮产生于特定的时代变革和社会文化背景之中，与当时的社会思潮特别是哲学思潮关系密切。哲学思潮是社会思潮的核心。社会思潮和哲学思潮影响社会生活的各个方面时，也必然会影响到艺术领域，随之产生新的艺术思潮。 第二，艺术思潮的产生也离不开艺术自身的发展规律，离不开艺术发展的继承与革新。这种艺术自身发展的特定要求与社会思潮相结合，形成新的艺术主张，则会促使新的艺术思潮产生。第三，艺术思潮的产生，还必须有一大批思想观点、艺术见解、创作倾向大致相同的理论家、艺术家，他们有比较系统的艺术思想和活跃的艺术实践活动，创作出一大批艺术作品，往往形成一个或数个艺术流派，声势浩大，影响广泛，甚至构成了一定的艺术运动，体现出群体性的创作潮流。
例如：西方的现代主义思潮产生于19世纪末、20世纪初，它以尼采的唯意志论、柏格森的直觉主义、萨特的存在主义、弗洛伊德的精神分析学说等哲学、心理学思想为理论基础，在艺术上强调表现，否定理性，主张反传统和标新立异，形成了一个涉及戏剧、绘画、文学、音乐、电影、建筑等多种艺术门类，多种流派的国际艺术思潮。这种艺术思潮的出现迎合了社会的需要，体现了艺术发展的趋势，并为艺术的发展开拓了新的空间。。
62．世界三大园林类型
欧洲园林、阿拉伯园林与东方园林。
欧洲园林以法国园林为代表。在英国18。世纪反抗机械文明的自然风景式园林兴起之前，欧洲园林多以几何性质为显著的形式特点，表现出欧洲人的审美理想与外在、暴露的文化精神。法国园林在17世纪形成了鲜明的特色，并且影响到欧洲许多国家。
阿拉伯园林发端于古代巴比伦和波斯。对于来自沙漠的民族来说，最能体会清凉而流动的水所具有的意义，最能感受到“流水”和“活水”这类词汇的亲切，水意味着生命，所以园林中很重视水的利用。波斯园林形成了以十字形道路交叉处的水池为中心的格局，这种格局在阿拉伯地区被继承下来，成为一种传统。
东方园林发端于中国，也以中国园林为代表。中国园林崇尚自然，但不是对自然的简单模仿，而是对自然的艺术再现。中国园林往往把建筑、工艺、花草、山水、书法、绘画乃至家具摆设等综合在一起，兼具诗情画意与天然本色，虽为人工创造却不露雕饰痕迹。中国园林的这一特色在以苏州园林为代表的江南园林中体现尤为鲜明。
63.抽象思维与形象思维
艺术创作虽然主要依靠艺术家的形象思维，然而抽象思维也不可缺少。抽象思维是人类最普遍的思维形式，它贯串于人类的各种理性活动中，艺术创作也不例外。
抽象思维与形象思维虽然性质和作用不同，但二者又有密切联系，常常相互渗透、相互补充，在思维活动中相辅相成。在艺术创作中，抽象思维的介入，可以提高艺术家的整体思维能力，使理性思考与形象思维平衡起来。创作中，理性太弱就驾驭不了形象，形象思维太弱就使思想直露，而损害艺术性，两方面应取得内在的协调。抽象思维往往在文艺创作的一些关键地方发挥作用，主要表现有以下几方面：
(1)在创作的准备阶段，抽象思维可以帮助艺术家树立明确的创作目的，进行思想上的指导和知识上的准备，在搜集素材、选择题材的过程中，必须经常以抽象思维来进行分析、综合，才能不为表面的、偶然的现象所迷惑，从而抓住事物的本质，发掘出某些处于幽微状态的新生事物的萌芽。至于主题的提炼，作品基调的确定，就更离不开抽象思维的比较、判断和抉择。
(2)抽象思维对人物、情节起着一定的指引、规范作用。在艺术创作过程中，形象思维有时会出现中断、“卡壳”现象，有时又会出现艺术家改变初衷，对某些人物情节作出重大改变。这时，往往需要抽象思维进行帮助，以理性分析来指引情节的发展，规范人物的行动，安排作品的结局。
(3)在创作基本完成后，抽象思维可以协助形象思维对形象进行修改、补充。优秀的艺术作品无不经过艺术家反复多次的修改、润色。这修改、润色的过程，其实就包含一个通过理性思考，进行判断、评价、分析、比较的过程，小至细节的改动，大至情节、结局的变化，都需要有一定的理性认识作为依据。
由此可见，对于艺术创作来说，虽然形象思维是根本的、主要的，在创作过程中，抽象思维应当纳入形象思维的总体轨道，但抽象思维也不可缺少，二者应当有主有次，互相渗透，互为作用。只有形象思维，排斥抽象思维，就会影响到作品的思想高度和深度；反之，抽象思维过多介入，主宰了形象思维，则又会喧宾夺主，使形象枯燥干瘪，沦于公式化、概念化。
64.中国画同西洋画
中国画同西洋画由于在工具材料、构图视角以及艺术观念各方面的不同，形成了明显的审
美差异，主要可归结为四方面：
(1)所用工具材料不同。
中国画采用中国特制的毛笔、墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。因此“笔墨”成为中国画技法和理论中的重要术语，有时甚至成为中国画技法的总称。油画是西方绘画艺术中最有影响的画种，因而也被称为西洋画。油画是以油质颜料在布、木板或厚纸板上画成。油画的颜料色彩丰富鲜艳，能充分表现物体的质感，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力，同时·，油画颜料又有较强的覆盖力，易于修改，为画家提供了艺术创作的便荆条件。
(2)构图视角方式不同。
中国画在构图方法上不受焦点透视的束缚，多采用散点透，视法，即可移动的远近法，这样就能打破时空的局限，使构图灵活自由。例如张择端的《清明上河图》采用散点透视构图法，可以将北宋都城汴河两岸的风光民俗全部包罗进来，使人一览无余。这对于表现画家的主观情感、理想更为方便。
西洋画则严格遵照焦点透视的物理学原理，遵守时空界限，只能从某一固定视角去审视、描绘所能见到的景物，更重视科学性、真实性。
(3)“传神”与“尚真”的不同。
中国画最重视的是物象内在精神的传达和作者主观情感的表现，所以，中国画非常注重“立意”与“传神”。元代以后，从“传神”进一步发展到“写意”，更强调了主观情感与意趣的表现。这是中国画的基本特征与艺术特色，体现出植根于我国民族文化的审美理想。 西方绘画追求对象的真实和环境的真实。为了达到逼真的艺术效果，在绘画中讲究比例、明暗、透视、解剖、色度、色性等科学法则，运用光学、几何学、解剖学、色彩学等作为科学依据。因而与中·国画相比较，可以说中国画尚意，西方画尚形；中国画重表现、重情感，西方画重再现、重理性；概括地说，西方绘画注重再现与写实，中国绘画注重表现与写意。
(4)综合与单一的不同。
中国画一般都是绘画与诗文、书法、篆刻四者的有机结合。传统国画都有题画诗、款书。题画诗或指明画意，或增加画趣，或抒发观感，或晶论画艺，使诗情画意交相辉映，诗中有画，圃中有诗。款书，一般包括作画的时间、地点与画家的姓名、字号，以及标题、诗文、印章等，形成中国传统绘画特有的民族形式。
故观赏中国画实际是一种诗、书、画、印多种艺术的综合享受。西方油画则比较单纯，除了画面形象外很少其他点缀。
65、艺术作品的内容与形式
是辩证统一和不可分割的有机整体，它们相互包容又相互作用，相互转化，两者都因对方的存在而存在。在内容和形式这对矛盾统一体中，一般说，内容是目的，形式是手段，内容处于矛盾的；主导方面，内容对于形式有着很大的制约和影响作用。从文艺创作的过程来看，大多是先有了内容，然后根艺术形式还常常随着内容的变化而不断改革i一般说，内容同形式相比，内容总是更加活跃的因素。。因为艺术的内容不外乎客观的社会生活和艺术家主观的情感反映，社会生活是千变万化的，它要随着时代的发展而不断变异，人的情感更不是凝固僵化的，有时人的心理变化还会超出于时尚的进程-；所谓“超前意识”、“时髦心理”即此一斑。正因此，文艺作品的形式常常随着时代生活的进程而不断变化革新。
然而，在内容和形式这对矛盾中，它们二者的地位是平等的，它们的作用是互相的，内容可以制约、影响形式，反过来，形式也可制约、影响内容。而且常常双向互动，彼此转化，融为一体，很难分清何者为形式，何者为内容。比如，对于艺术创作来说，艺术家既可根据内容去选择形式，同时，也可根据他所擅长的艺术种类和形式特点去选取相关的内容。像雕塑家就比较关注人物形象的塑造，水彩画家则对自然景物更感兴趣，新闻记者为了适应文艺通讯、新闻报道的形式要求，更关心真人真事的采访。
从欣赏角度看，形式的作用也至关重要。人们接触一部作品，总是先从它的艺术形式人手，并首先为它的形式所吸引，形式的完美，往往成为接受内容的先决条件。美的形式是人们感知艺术意韵的先导，产生艺术魅力的前提，没有形式的美，就谈不上内容的美，就无所谓艺术作品的美。
再从艺术的发展来看，内容固然比形式显得活跃，内容的变化常会引起形式的变动，然而，形式的变动，有时并不完全取决于内容，因为形式美的创造有自己的构成法则和独立的传承、发展规律，当一种艺术形式成熟之后，就会有相对的独立性和稳定性。例如，我国古代的四言诗发展到五言诗，从语言形式上看，是一个重大的突破，因为中国字词一般都是单音节或者双音节，五言可以容纳三组词，从而从音韵、节奏上都比四言更加丰富，不但悦耳动听，徐缓有序，而且大大扩展了语言的内涵，加强了表现力，而这主要是从语言的形式功能出发的。况且，内容变化而形式不变，所谓“旧瓶装新酒”的情况，在艺术史上比比皆是。例如，中国古体诗词就曾延续了两千年之久，至今仍然还能采用，古老的书法艺术，传统的国画艺术都可以用来表现今天新的内容。至于有些艺术形式一旦规范化、模式化、程式化，更会具有较强的生命力。
更有甚者，有时艺术形式的进步和变革还可反过来促使艺术内容的拓展。当代的一些先进的科技发明和技巧手段在艺术中的运用，往往促使人们对艺术内容重新思考。例如，电子音乐、数字化技术对现代音乐的冲击，电脑动画设计对于电影题材的拓展，舞台道具对戏剧表演内容的改革等。
由此可见，艺术形式对于内容来说，决不是消极、被动的服从关系，内容制约影响着形式，反过来形式也制约影响着内容。所以，准确的说，它们二者之间，应当是双向互动、相辅相成、彼此制约的辩证关系。 · ；
66、本体批评
是以艺术作品为本体，集中分析研究艺术作品形式关系的艺术批评形态。本体
批评与社会历史批评、伦理批评和心理批评不同，并不是在艺术作品之外确立其他的参照系，而是有意识地切断艺术作品的各种外部联系，将艺术作品视为独立自足的本体。本体批评认为，艺术作品的意义不在于其反映了社会或体现了艺术家的心理意图，而就在于其自身，在于其自身的特殊形式；只有排除了艺术作品之外的社会及个人因素，将目标直接对准艺术作品，才能保证批评的科学可靠性。因此，本体批评在具体的批评实践中，专注于对艺术作品形式的解剖，或细致地分析作品的物质媒介、艺术语言，或精心地探求作品的探层结构。20世纪的俄国形式主义批评、英美新批评、法国结构主义等派别，基本上都属于本体批评。例如，俄国形式主义批评的特点，是把批评活动局限在作品的“文学性”与“陌生化”两个方面。他们认为小说创作就是作家用文学手段打破日常生活事件的正常秩序，使生活事件“奇特化”和“陌生化”，并组成了文学性的“故事情节”。本体批评代表了艺术批评领域中的科学主义倾向。本体批评把对艺术作品形式的分析提高到了一个新的水平，但将艺术作品绝对孤立起来，则不免偏狭。
67．审美直觉
是审美主体在审美活动中对于审美对象的一种不假思索的直接迅捷的把握，体现为对形式美的敏锐感受和对审美意蕴的瞬间领悟的浑然一体。审美直觉是整体而非分析的。它不同于科学认知，不将对象剖析分解为各种组成要素，而是将对象始终作为一个感性有机整体来对待。审美直觉是直观而非逻辑的。它在主体与对象接触时直接发生，排除逻辑推导的过程。审美直觉是自然而非有意的。它是主体审美的自然状态，并不是刻意追求而出现的结果。审美直觉又是精微而非概念的。接受者无论是对形式美的感受还是对意蕴的领悟，都极为精细微妙，无法以概念来加以确切表述。艺术鉴赏很大程度上要调动审美直觉，因为鉴赏者接触艺术作品时，首先遇到的是作品外部的感性形式，它必须首先依靠人的感性直觉，同艺术作品对应的是接受者的直觉能力，而不是逻辑思维能力’。接受者鉴赏艺术作品时，会在短暂的瞬间，未经缜密的逻辑思考，便直接受到美的打动感染，恍然有所领悟，立即进入到审美的更深层次。这就是审美直觉的妙用。
68.艺术的实用性
建筑、园林和工艺这三种艺术的基本特征就是实用性。作为艺术，它们虽然也不毙离开审：美性‘、艺术性，但它们韵审美性和艺术性都必须建立于实用性的基础之上，并同实用性密 -刀结合，倘若一味强调审美性、艺术性，损坏了实用性，那么它们也就失去了存在的意义。比如建筑艺术就必须有一定的实用功能，园林艺术必须能让人游览欣赏，工艺中虽有‘种特种工艺以审美观赏为主，但审美观赏本身也是一种实用性功能。当然，这类艺术也注意“意味”的；表现，或者说，具有一定的表现性。工艺晶可以表现出一定的情趣与气氛，·建筑更是以巨大的空间造型表现出时代精神与审美理想，园林更是强调表达出诗情画意。但这无妨于它们的实用功能。
69、艺术流派
构成艺术流派要具备三个基本条件：
(1)要有一个具有一定影响力的艺术家群体；一般说，这个艺术家群体中必须有一二个有威望、有成就的优秀艺术家为代表和核心，周围再结集一批他们的追随者、志伺道合者。
(2)这个艺术家群体要有基本相同或相近的思想倾向、艺术见解、审美主张、创作原则等；思想倾向的进步与否、艺术见解；审美主张的相近与否，是艺术家群体结合的思想基础。古人云“道不同下相为谋”，思想观点、艺术主张不同的艺术家不可能成为一个流派，即便暂时合作，也会很快分手。此外，创作原则的一致性也很重要，它往往决定艺术风格的相近。而风格相近是形成艺术流派最主要的标志。
(3)这个艺术家群体要有基本相同或相似的艺术实践、艺术作品。艺术流派必须以实实在在的艺术实践和作品为基础，缺乏众所公认的、有质量、有影响的艺术实践和作品，这种流派是空有虚名，决无生命力的o，在我国戏曲界以梅兰芳、程砚秋等四大名旦为代表的所谓京剧中的“梅派”、“程派”等正是以他们卓越的表演风格和技巧而为人公认的。绘画中的“扬州画派”、“岭南画派”等则是依靠大量风格相近的优秀画作而享誉艺坛的。只有理论主张而缺乏创作成就的所谓“流派”，不会有主命力，反之，即使理论主张方面比较薄弱，但在艺术成就上十分突出，那么人们仍然会把它们视作荒派，并代替艺术家本人，为他们总结艺术经验。
70．绘画艺术的基本特征
主要有三点：
(1)形式的变幻。
绘画是一门使用一定的物质材料，运用线条、色彩和块面等语言，通过构图、造型和调色等手段，在二度空间(平面)里创造出静态的视觉形象或情境的艺术。
绘画不同于雕塑、建筑等立体造型，具有长、宽、深三维空间，绘画只能占有两维空间，在平面上耳现。黑格尔说：“绘画却仍保留空间关系，只取消：三度空间中的一度，使面成为它的表现因素。”这嚏绘画的表现力和感染力受到一定影响。但绘画可以通过透视、光影、比例及色彩等技艺的运用，造友视觉上的立体感和纵深感，在再现客观事物的多侧面、多层次及细节方面更有便利之处。而在表观人的主观情绪、趣味方面更有独到酌优势。这使绘画的题材范围和描写对象十分广阔。无论是人物、姿态、自然山水，还是花萆虫鱼、人妖仙魔和社会生活中的方方面面，几乎一切可视的或可转化勺视觉形象的事物，都可以作为其题材。在形式上可以呈现出多姿多彩的特色，种类也极繁多。
绘画艺术的种类，根据使用材料的不同，可分为中国画、油画、版画、水彩画、水粉画等；根据表：q对象的不同，可分为肖像画、风俗画、风景画、静物画、历史画等；根据作品形式的不同，可分为壁画、年画、连环画、宣传画、漫画等，从世界范围内来看，绘画分为以中国画为代表的东方绘画和以油画为代表的西方绘画两大体系，它们各有自己的基本特征和历史传统，从而形成各不相同的表现形式与审美特点。
例如中国的国画同西方的油画就有着巨大的审美差异，显示出迥然不同的艺术风格和审美形式。随着艺术的发展，在现代西方绘画，尤其是抽象绘画里，传统的绘画性能和审美效应发生了巨大的变化，“线、形、色的造型性能连同与之不可分的透视学等造型规范完全摒弃了，其中蕴含脊的非造型性能被发掘出来，并得到了淋漓尽致的发挥。”出现了以再现向表现转化的趋向；逐渐走向几何化、抽象化、装饰化。绘画中可以不出现具体的物象，而是以特定的线条、色彩和几何形体等，用来着意表现画家的主观情感，使绘画成为“感情的符号”、“力的图示”。这种标新立异的画法固然有艺术创新的长处，给人耳目一新的新奇感。
(2)瞬间凝固性。
绘画是空间的静态艺术，受到时间、空间的限制，它不能像小说、戏剧、电影、舞蹈那样，直接进入时间性的运动状态，直接显示生活事件的发展过程，只能描绘一定空间范围内静态的人或事物、景色。要解决这个矛盾，需要选取生活中最有意义的瞬间把它固定下来，并且集中提炼这一瞬间的图景、画面来概括出前因后果，使这一具体的画面比现实原型的一瞬间更有典型性，使静止的运动的场景能表现出运动着的生活的行程，外部的面貌能展示内心的一切。
优秀的画家善于捕捉最有启发性的瞬间，予以概括、提炼和升华，创造出富有表现力和联想性形象，将过去和未来凝聚在某一顷刻收到以静写动、以少胜多的艺术效果。19世纪法国著名画家米勒曾说过：“一个倚锄荷铲而立的人，较之一个做着掘地或锄地动作的人，就表现劳动来说，是更典型的。他表示出他刚劳动过而且倦了--这就是说，他．正在休息而且接着还要劳动。”他的名作《倚锄的男子》就体现了这种创作意图。这也正如莱辛所说的：“绘画在它的同时并列的构图里只能运用动作的某一顷刻，所以就要选择最富于孕育性的那一顷刻，使得前前后后都从这一顷刻中得到最清楚的理解。”
(3)丰富的意味。
绘画艺术不仅是造型，更追求形象的内在意味，突出形象的蕴含。不仅要求艺术家选择好恰当的物质材料，运用相应的艺术技巧在特定的时空中创造出集中而概括的视觉艺术形象，而且要求在“形似”的基础上，做到“神似”，形神兼备，赋予造型以丰富的艺术内涵，显示内在的美的：本质性特征。例如达·芬奇的名画《蒙娜丽莎》就是透过女主人公那双神秘微笑的眼睛传达出无比丰富的意味，人们从中可以想像到她的善良、温柔、娴静、庄重的性格，想像到她的母爱的深沉、爱情的真挚．．…·总之让人回味无穷。至于中国古代的写意画更以表现画家的主观情感为重，像郑板桥的兰竹、朱耷的怪鸟等无不在画中寄寓着深刻的象征意义。
71.艺术的发生
从艺术实践来看，艺术的发生经历f一个由实用到审美、以巫术为中介、以劳动为前提的漫长历史发展过程。艺术起源的问题与人类起源酌问题紧紧联系在一起，劳动起了决定性的作用。因而，在艺术起源的各种说法中，劳动说最接近真理。劳动说最有力的提倡者是俄国早期马克思主义者普列汉诺夫。他根据考古学家和人类学家所发现的大量材料，在批判和总结前人观点的基础上，充分阐述了文艺起源于劳动酌理论。普列汉诺夫认为，原始艺术是适应着劳动的需要，并在劳动实践过程中产生的。原始艺术与原始人的劳动生活和生产斗争有着非常密切的关系。最初的艺术是劳动的产物，因而有着明显的功利目的的。
艺术起源于劳动的说法是建立在以下几方面立论基础之上的：
(1)劳动创造了人本身，创造了人类社会，创造了艺术赖以产生的物质基础--人的双手、大脑、语言和认识感受能力。任何艺术都是人的产物。所以，艺术也可看作是劳动的产物。
(2)原始文艺与原始人的劳动生活经常交织在一起，以致于艺术活动往往就是劳动生产活动的组成部分。原始艺术的功利目的非常明显，在劳动中往往起着协调动作、减轻疲劳和增强劳动效果的作用，这种情况，我们在今天的一些劳动歌舞(如插秧舞、丰收舞、打夯歌、船夫号子等)中仍然可以约略感受到。这都说明原始音乐、舞蹈、诗歌都是伴随着劳动的节奏和音响产生，成为组织生产，凝聚劳动干劲，或表情达意，减轻疲劳，提高劳动效率的手段。
(3)劳动生活是原始艺术的主要表现对象和内’容。由于原始人生活的最主要内容是生产劳动，听以，劳动生产直接影响着原始文艺的题材。在最古老的绘画、雕刻中，狩猎对象(动物)和狩猎生活往往是摹仿的最主要内容。这是因为当时的劳动主要是狩猎活动。
(4)从原始艺术的形式特点，也能看出它与劳动生产的密切关系。原始艺术形式是诗歌、音乐、舞蹈三位一体地结合在一起的，这也同劳动的形式有一定关联。此外，原始文艺的全民性、群体性，也主要是由原始社会劳动生产的全民性、群体性决定的。
劳动说从马克思主义关于社会存在决定社会意识的基本观点出发，把劳动作为人类实践活动的最初：形态，把艺术看成劳动的产物，其根本点是非常正确的。人类各方面的发展和演进都离不开劳动这个中介环节，任何其他活动和因素与劳动相比，都不具有促进艺术发生条件的根本性作用。但是，劳动说只指出了艺术起源的终极原因和基本动力，而对于直接起因，例如情感；欲望(含巫术情感、欲望)、想像力、天性、本能、技巧，以及审美意识的萌芽等，未予以充分的注意和重视，所以也有单一化之嫌。
其实，原始文艺的表现对象和灵感源泉不仅仅是劳动生活，也包括他们多方面的生存活动和社会实践活动，例如原始人的性爱舞、宗教舞、战争舞，摹仿昆虫舞等等，都不是直接反映劳动生活或劳动场面的。这表明生老病死，衣食住行，自然界，人与人的关系等，作为原始人社会生活的必不可少的组成部分，也都是原始艺术的表现对象和灵感源泉。
此外，原始艺术的起源还与原始人的审美心理基础，即原始人所具，有的同艺术创作密切相关的心理机能、思维活动的特征相联系。原始人所有的精神活动--图腾崇拜、巫术等等，一般都伴随有仪式，它们在本质上就是一种以对待人的方式来影响神灵的做法，请它们息怒、改善关系、和解、剥夺权力，使它们服从命令等。当人们在这样做的时候，内心的恐惧得到了克服，心灵变得宁静并充满快乐。在无数次的重复中，这类精神活动的形式取得了独立的审美意义。人们会为了获得心理、情感上的快感去进行这种活动，形成独立的审美活动或艺术活动。 ·
由此可见，艺术有一个从实用到审美、从非艺术到艺术的历史演进过程。在这个过程中，劳动是核心，还经过了巫术活动、图腾崇拜、神话传说等等中介环节，从而产生了人类的艺术活动。因此，我们认为艺术发生于以劳动为中心的人类社会实践活动。
72．艺术批评
所谓艺术批评，是一种对艺术作品以及各种艺术活动、艺术现象进行分析、判断、评价的科学活动。
艺术批评的对象是各种艺术现象，包括艺术作品、艺术家的艺术创作实践、接受者的艺术鉴赏实践、艺术流派、艺术思潮、艺术运动等。其中最基本的是艺术作品。对任何艺术现象的批评，都要从艺术作品出发，都不能脱离艺术作品。
艺术批评具有四个特征：
(1)科学性。
艺术批评从本质上说，是一种科学的认识活动。严密的科学性，体现着艺术批评的内在要求。作为一种科学认识活动，艺术批评的基本思维方式是理性的抽象思维。艺术批评家在从事艺术批评时，要从具体的审美感受进入理性的领域，运用抽象思维，依据形式逻辑和辩证逻辑，对艺术现象进行分析、综合、演绎、推理，去求得理性的判断评价，并进一步去探究个别中蕴含的一般，现象中显示的规律。作为一种科学认识活动，艺术批评的基本原则，是实事求是。艺术批评必须从艺术现象的实际出发，通过客观的分析研究，引申出符合事实的科学结论。艺术批评家在批评对象的选择，批评角度的确定，批评方法的采用以及文风等方面，可以保持自己的个性；但是，任何以主观的意志去掩盖事实，以一己的好恶去取代客观分析的做法，都是与艺术批评的科学精神相违背的。
(2)审美性。
艺术批评以艺术作品为主要对象，而艺术作品本身则是艺术美的集中体现。这一点，决定了艺术批评必须含有美学批评的成分。批评家在把握各种艺术现象时，要把美学分析当作首要任务，努力去探索艺术美的创造和构成规律，解剖艺术美的存在形态，发现艺术美的永恒魅力，积极去阐明艺术现象的审美意义与审美价值。假如取消-厂审美性，艺术批评就会混同于一般的社会批评，而丧失自身赖以存在的根基。审美性并不对艺术批评的学术视野构成局限。艺术批评可以侧重于社会、历史、伦理、文化等不同角度，但都应建立在审美分析和审美评价之上，都应以美学批评为基点。
(3)实践性。
艺术批评区别于艺术理论。艺术理论也是以艺术为对象的科学，但着重于艺术普遍本质和规律的研究。艺术批评则有着突出的实践性。艺术批评所直接面对的，是具体的艺术现象，尤其是具体的艺术作品；而艺术批评处理对象的方式，是通过具体的分析研究取得具体的结论。优秀的艺术批评，总是敏锐地感应着艺术实践的发展变化，准确地捕捉新的动态和新的趋势÷及时地解决艺术实践中出现的实际问题，总结艺术实践所提供的新鲜经验。艺术批评的活力，主要就在于它与日新月异的艺术实践之间的密切联系。
(4)创造性。
文艺批评的创造性是指：批评家在对具体文艺作品进行评价时，往往具有一种创造性的审美观照和理性发现。也就是说，批评家的批评实践活动并不局限(也不应该局限)于复述文艺家所表现过的东西，而是要说出，也必须说出文艺家所没有说过的东西，或尚未明确意识到的东西。批评家完全可以自由地选择一个视角和一种阐释方法，对文艺作品进行深入的分析和研究，并提出创造性的见解。因此，从本质上讲，文艺批评也是一种具有浓厚理性意味的审美创造，即批评家要对文艺家的审美表现进行再度的审美创造。
文艺批评的创造性主要表现在两个方面：首先，批评家往往以，自己独特的理解和体验，去发现印挖掘文艺作品本身所蕴藏着的种种内涵。其次、，这种创造性还表现在批评家通过对具体文艺作品的评论，往往能总结和概括具有普遍意义的艺术规律。
73、按照艺术创造的媒介和形式，可将艺术语言分为纯艺术语言、综合性语言和文学性语言三大类。
纯艺术语言主要用于绘画、雕塑、音乐、舞蹈等艺术门类中+其所采用的媒介材料，只在艺术创造中使用。综合性语言主要用于戏剧、电影、电视等艺术中，可以是不同的纯艺术语言的综合，也可以是文学性语言与纯艺术语言的综合等。文学性语言主要是在文学作品中使用的语言。这种语言文字符号是人类交流交往的基本工具，文学艺术运用语言文字符号来甥造形象，表情达意。在各种媒介材料中，文学性语言比较特殊，是惟一的非物质性材料‘，所描绘的艺术形象要在想像中完成。
74、艺术意蕴
所谓艺术意蕴是指在艺术作品中蕴含的深层的人生哲理、诗情画意或精神内涵，它是艺术主体对于艺术典型或意境深刻领悟和创造的结果。 ·
艺术意蕴是艺术作品的第三层面，即深层层面。在优秀的艺术作品中，特别是典型或意境中，艺卡意蕴往往能得到较为充分的体现。黑格尔说：“意蕴总是比直接显现的形象更为深远的一种东可。”艺术意蕴是艺术家对自然、社会的一种深度悟察，对历史、人生的一种深邃洞见，它往往透视出’、性的深层内涵，社会的深刻本质，极富哲理性，也更具形而上意味。而且它深深地隐含在艺术形象约表层意义之下，潜藏于艺术作品各部分的关系之中。这种独特的内涵使得它具有多义性和模糊些。面对一部艺术作品·，可以从历史、社会、文化、民族、时代、人性、时空等不同角度、不同层面去解：总，见仁见智。而且这种解说只是向其靠近，难以清楚地言说，也是难以尽说的，如古人所说，只可意兰，难以言传。因此具有多义性和模糊性。
意蕴的表现在不同的艺术作品中其深浅和隐显的程度有很大差别，有的包含在形象之中，只需三细品味便可逐渐领悟。一般说，视觉艺术多属此类，例如安格儿的名画《泉》，通过少女的身姿、神三．给我们展示出一颗水晶般透明的美好的心灵，显示出一个天真少女的矜持和恬静。再如舞蹈语二也是依靠演员的形体动作和眼神表情来传递心灵的意蕴。
意蕴有时常常隐藏在艺术形象的背后，通过一些象征；暗示、隐喻、联想、变形等曲折含蓄的手三来表现，这类意蕴大多具有某种不确定性、多义性、朦胧性，需联系作品产生的历史环境和作者创’乍意图方能领悟。这在诗歌中表现最为突出，诗美的奥秘，很大程度上是凭借这种“言外之旨”、“象外之象”。
在某些意蕴比较抽象、笼统的艺术中，意蕴的领悟更显得自由灵活，无所定向，它们同欣赏者的主观因素关系更加密切。像无标题音乐、现代派绘画、、情绪性舞蹈、象征性建筑等。
75、摹仿说
是一种古老的文艺起源理论。它认为，艺术起源于人类的摹仿本能，是摹仿自然和社会人生的产物。不同的艺术，只是摹仿的对象和媒介不同而已。古希腊许多哲学家对此都有论述。如德谟克利特说：“从蜘蛛我们学会了织布和缝补，从燕子学会了造房子，从天鹅和黄莺等歌唱的鸟学会了唱歌。”但较为系统的是亚里士多德。亚里士多德认为摹仿是“人类的天性”。他说：“一般说来，诗的起源仿佛有两个原因，都是出于人的天性。人从孩提时候起就有摹仿的本能(人和禽兽的分别之一，就在于人最善于摹仿，他们最初的知识就是从摹仿得来的)，人对于摹仿的作品总是感到快感。经验证明了这样一点：事物本身看上去尽管引起痛感，但惟妙惟肖的图像看上去却能引起我们的快感。……摹仿出于我们的天性，而音调感和节奏感(至于‘韵文’，则显然是节奏的段落)，也是出于我们的天性。”亚里士多德同时认为，不同艺术的产生，只是由于摹仿的对象、媒介方式不同。他的《诗学》就奠立在“摹仿说”的理论基础上，并通过对悲剧，史诗的分析来证实自己的理论。此后，“摹仿说”经由文艺复兴时列奥那多·达·芬奇的“镜子说”为中介，转化为“再现说”，全面而深刻地影响了欧洲的文艺理论。
摹仿说具有朴素的唯物主义性质，对后世艺术发展曾产生过深远影响。但是，它把摹仿归结为人的“天性”和“本能”，没有从社会实践的角度来阐明摹仿的动机，更没有说明摹仿与创造的本质区别。因而，“摹仿”说是不科学的。
76、共鸣
原为物理学概念，指两个振动频率相同的物体因共振而发声的现象。艺术鉴赏中的共鸣，是艺术鉴赏高潮阶段产生的一种心灵感应现象，指的是鉴赏主体(读者、观众、听众)与鉴赏客体 (作品)之间思想情感上的交流呼应、融汇相通，产生大致相仿的情感。这时，鉴赏者的主观世界由充分感受和领悟而与艺术作品的艺术世界形成深层审美沟通，并以艺术作品为中介而与艺术家的主观世界形成深层审美沟通。 ·
艺术鉴赏中的共鸣一般有两种情况，一种是鉴赏主体在鉴赏文艺作品时，为艺术家的思想感情、理想愿望以及艺术晶中所表现的人物命运深深打动，产生一种强烈的心灵感应，有时甚至达到主客体融合为一、物我两忘的境地。这一般在鉴赏主体与作品中人物的生活处境、思想情感、人生遭遇十分相似的情况下才有。例如《红楼梦》第22回描写林黛玉听《牡丹。亭》戏文时，达到了“如醉如痴”的忘情地步，因为(《牡丹亭》中的女主人公被幽禁在深闺内院，青春虚度的爱情苦闷，同林黛玉的地位、处境都十分相似，林黛玉由此产生“仿同”心理。
艺术鉴赏中的另一种“共鸣”是指不同时代、不同民族、不同阶级的鉴赏者在鉴赏同一部作品对，在某些方面产生大致相同或相似的思想感情。这种共鸣多半是局部性的，其强烈的程度远不如前者，但范围极广，可以超越时代、民族、阶级的界限。例如，莎土比亚的四大悲剧，几百年来一直活跃在世界各国的舞台上，受到不同民族、不同时代、不同阶级的人的共同喜爱。这类共鸣产生的原因比较复杂。从鉴赏的客体上看，艺术作品本身必须具有深刻丰富的思想内涵，形象生动真实，具有强烈的艺术感染力。从欣赏的主体上看，欣赏者的“期待视野”中往往蕴含与作品相同或相似的思想感情与情感体验，即鉴赏对象的某一方面因素带有一定的普遍性、共同性，同欣赏者在思想情感上能 ，够沟通呼应。比如赞美自然风光、祖国河山，歌颂忠贞爱情、诚挚友谊，表现公而忘私、自我牺牲，反映思乡、思亲，人之常情，作品往往具有长久的生命力、感染力。此外，一些表现人生哲理、揭示生活真谛，富于真理性、启示性的作品，也常能跨越时空界限，激起世世代代人们的思索回味。
有时，在某些特定的历史条件下，作品思想正好击中鉴赏者的兴奋中心，也能点燃起“共鸣”的火花。例如当一个民族面临外敌侵侮、处于生死存亡的危急关头时，描写民族精神、爱国主义的作品载最能产生强烈的感召力，引起广泛的共鸣。
77、题材
有广义、狭义之分。广义的题材指文艺作品描写的对象和内容的分类，如农村题材、工业题材、知青题材、爱情题材、革命历史题材等。狭义题材则指作家、艺术家从现实生活中选择出来并经过集中、提炼、加工，写进文艺作品中用以构成艺术形象、表现主题思想的具体生活材料；在题材问题上我们一贯主张是：既提倡重大题材，又主张题材的多样化。所谓“重大题材”，是指那些能够直接反映时代精神、国计民生、具有重大社会意义的课题，比如爱国主义、民族解放、人道主义、英雄精神、改革开放等等。这些重大题材，不但思想深刻，影响久远，还能引起千万民众的普遍关注，产生巨大的社会效应。文艺作品的认识、教育功能和宣传鼓动作用，往往需要依靠这类重大题材的作品来承担。
然而，我们提倡重大题材，并不意味着排斥其他题材，事实上，题材不分大小，都有它一定的价值。这是因为，第一，人民群众的精神需求是极其广泛的，除了鼓舞斗志、振奋精神、提高认识的重大题材外，也需要愉悦情感、活泼精神、娱乐轻松的各类内容。所谓“小题材”，正善于从日常生活、凡人琐事、闲情逸致中去表现人的精神生活的各个方面，满足人的丰富的精神需求。第二，优秀的文艺家往往能以小见大，在平凡细小的题材中挖掘出深刻重大的思想意义。歌德曾说：“独创性的一个最好的标志就在于选择题材之后，能把它充分发挥，从而使得大家承认压根儿想不到会在这个题材里发现那么多的东西。”鲁迅也主张文艺创作“选材要严，开掘要深”，他的许多短篇小说如《药》、《孔乙己》等都是从凡人琐事中闪现出巨大的思想深度和时代光彩。第三，一般说，小题材往往同“人之常情”、日常生活和审美活动更多关联，因而更具审美价值。例如，山水诗、花鸟画、小夜曲，给予人的美感享受常是许多大题材很难取代的。所以在题材的选择上，我们既提倡文艺家关注重大题材，同时，又主张题材的多样化。 ．
78．劳动发生说
是在审美发生学中很有影响的学说，认为艺术产生的根本动力和原因在于人类的实践活动，尤其是占主导地位的物质生产实践活动。这是对艺术产生的根本原因最具影响的揭示。普列汉诺夫等人对此都进行过阐释。
它可以从三方面论证：
(1)劳动创造了人的本身，创造了人类社会，提供了艺术赖以产生的物质前提。这个物质前提就是人类脑髓的发展、感觉器官的发展、思维的形成和语言的产生等。正如恩格斯在《劳动从猿到人转变过程中的作用》中所指出的，是劳动推动了人类脑髓的发展，推动了人类感觉器官的发展，是劳动促使人类思维、语言的产生和发展。
(2)原始艺术与劳动生活有密切的联系，二者常常交织在一起。原始艺术大多是适应劳动生产的需要，并伴随劳动而产生。在为生存而进行的劳动中，原始人为了协调动作、减轻疲劳、增强劳动效果，也为了交流思想感情，便不时地按照“…定的拍子，并且在生产性的身体运动上伴以均匀的唱的声音和挂在身上的各种东西发出的有节奏的响声”。而这种唱和响声也就是最早的音乐，当原始人把这种有节奏的音响同语言结合在一起时，就产生了最早的诗歌；原始人为了交流生产生活经验，还常常在他们居住的地方(如洞穴内外的石壁上)，把各种飞禽走兽、狩猎工具等，刻画在上面，而这也就是最初的绘画和雕刻；原始人为了祈望通过劳动征服自然，又编造出各种降魔伏怪、战天斗地的神话传说和舞蹈。总之，不论是诗歌、音乐、舞蹈、神话传说还是绘画、雕刻，它们最早都是适应原始人劳动生产的某种需要，伴随劳动而产生的。
(3)从原始艺术的内容和形式看，也可以证明文艺起源于劳动。现存的原始艺术其内容大都和生产劳动有关。例如，在我国新疆的霍城等地狩猎氏族的石壁遗址上的壁画，画的都是动物，原始舞蹈的动作有许多出自对劳动动作的摹仿。神话传说中的《愚公移山》、《后羿射日》、《精卫填海》等无不同生产劳动相关。再从原始文艺的形式看，由于原始人所从事的繁重劳动比较单调，往往按一定的节奏进行，因而原始的诗歌、音乐、舞蹈无不具有鲜明、强烈的节奏。正如普列汉诺夫所说：“在所有这些场合下，歌的节奏总是严格地由生产过程的节奏所决定”。
79、继承和创新
艺术发展中离不开继承和创新两大部分。所谓艺术的继承是指前代艺术对后代艺术的巨大影响，以及后代艺术对前代艺术的积极成果的继承保留。这种继承性，反映着社会意识形态和人们审美观念的连续性。每一时代的艺术对于后来的艺术都是一种既定的存在和条件，后一时代的艺术注定要在前一时代的基础上得以发展。
艺术的历史继承性，主要是对艺术作品思想内容、作品形式、艺术种类和艺术创作方法的继承。艺术的历史继承性首先表现为对本民族艺术遗产的吸取和接受，以及对其他民族和国家优秀文化和艺术成果的吸纳。
然而，艺术发展的过程是一个不断除旧布新、推陈出新的过程，继承和创新是紧紧连在一起的，没有继承，便不会有创新。继承是手段，创新是目的。二者是辩证统一的关系。
没有继承，创新就失去前提；没有创新，继承就失去了意义。创新是为了使文学适应发展中的社。会生活的需要，为了适应人们审美欣赏的需要，创造出具有新质新态的作品。但创新又不能脱离继承，只有在继承前人成果的基础上予以创新，才可能超出前人，使艺术有所发展。继承和创新互相依存，互为条件，不可分割。从创新的目的出发去继承，继承的结果又推动创新。
80、中国戏曲
作为一个独特的剧种，既有综合艺术和戏剧的共同特征，又有自己独特的美学追求和表现手段，形成了鲜明．的审美特征。
(1)歌舞诗合一，浓郁的抒情味。
我国戏曲同歌、舞、诗结合十分密切。歌、舞、诗三位一体本是原始艺术的主要特征，这一传统在我国戏曲中保存最为突出。戏曲中几乎所有抒情的演唱都是优美的诗和歌的结合，曲词往往就是涛，具有浓郁的诗的韵味。像《牡丹亭》中的“游园”、《西厢记》中的“长亭送别”，每一段曲文都充满诗情画意，脍炙人口。所以，中国戏曲，从广义上说是一种诗剧，它是从诗歌发展而来的表现诗情画意，审美意境是我国戏曲的最高的艺术追求。正如我国戏曲理论家张庚所说：“戏曲也就是剧持，是一种新体诗，也带有浓厚的抒情色彩。”至于歌和舞更贯穿于戏曲表演的全过程，不但演员要有一定的舞蹈动作(如《霸王别姬》中的舞剑)，就是演员的寻常台步姿态、一招一式，也无不带有一种舞蹈美。戏曲表演中许多程式化动作其实就是规范化、舞蹈化的表现，都能给人以美感。
歌、舞、诗结合尽管在其他戏剧中也并不少见，但大多是以单一形式出现，如歌剧以歌为主，舞副以舞为主，诗剧以诗为主，惟独戏曲是把这三者有机综合在一起，并贯彻始终。故而戏曲欣赏可以满足人们多方面的审美享受。
(2)表演动作和场景的虚拟性。 ’
中国戏曲中的动作和场景大多是虚拟的。这是因为，戏剧舞台的时空限制，使其无法按情节需要设置实物、实境，而只能靠演员的某些虚拟性的动作和景物来暗示。虚拟性，其实是一种写意性，强调传神而不追求形似，讲求以虚代实，以形传神。舞台上空空荡荡(最多几张桌椅)，却凭演员的表演，显示．出山水、楼台、舟、马等景状。手脚稍一比划，便表现出生活中各种动作；学几步上楼梯的步子，就到了楼上；用手稍稍一推，就已开门进屋。在表现人的神情时，更是如此。悲哀不能真掉泪，而是甩袖掩面，假声啼呼；欢喜则仰面耸眉，笑声也奇怪。显然，虚拟性不是追求对生活真实的模拟，彳是侧重于演员心理的表现，欣赏这类表演不能用客观真实的尺度去衡量，而要以观众的理解、想章去沟通。
戏曲的虚拟性体现于布景、道具、动作、表演各个方面。七八人千军万马，三五步登山涉水，盹几秒一夜过去。时间长短、空间远近、完全任意为之，有很大的伸缩性。有时，台上有一点象征性的实物，比如以浆代舟，以鞭代马；有时光靠演员的表演来暗示。
(3)表演行当的程式化。
在我国戏曲长期的发展中，逐渐形成了一系列比较定型的表演程式和方法。这就是程式。它由一代代戏曲表演家在长期表演实践中，不断探索创造，积累成型，并被戏曲界认同而普遍采用。程式几乎贯穿于戏曲的全过程，具有某种规范性、稳定性和普遍性。+所以“程式化”构成了我国戏曲的另一重要特征。程式化主要体现于人物的动作表演里，它同虚拟性密不可分。比如：武将出场整盔系甲的“起霸”，文官上场整饬仪容的“整冠”，旦角常用的“水袖”等，都有点装模作样的味道，在各类戏中大同小异。程式化同角色行当的分工也相关，生、旦、净、末、丑各类行当都有自己独特的程式动作。此外，戏曲的唱腔、伴奏也有一定的程式化，有基本固定的曲牌和板式。
81．艺术的功能
主要有三方面：
(1)审美认识功能。
艺术的审美认识功能，是指艺术作品里通过艺术家对社会生活的真实描绘或真实体验的抒发，使人们可以从中了解一定时代的社会风貌、人文习俗以及政治、经济、历史、道德等各个方面的状况，从而开拓眼界，增长知识，丰富人的生活经验，加深对于社会和历史的某些本质规律的认识。
优秀的文艺作品往往可以称作虫恬的教科书。比如《红楼梦》就是一部中国封建社会的百科全书，它以生动具体的形象给我们描绘了一幅幅封建社会政治、经济、文化、宗教、道德、风俗…．”的图画，甚至连灯谜酒令、琴棋书画、谈禅说道之类也一应俱全。作者还借着贾府的荣衰，揭示出封建社会的腐朽、没落及其必然灭亡的历史命运，既具有了解古代社会生活的表层认识作用，又具有启示生活真理的深层认识作用。即便是一座雕塑、一支乐曲、一幅画，也有一定的认识价值。例如，从秦始皇兵马俑可以了解秦代军队建制、行军作战状态；宋代张择端的《清明上河图》则不啻是一幅宋代民俗风情的百科长卷，从中人们可以形象地观察到当时的城市生活的全貌。
(2)审美教育功能。
艺术的审美教育功能，主要是指人们通过艺术欣赏活动，受到真、善、美的熏陶和感染，思想上受到启迪，实践上找到榜样，认识上得到提高，潜移默化地使人的思想、感情、理想。追求发生深刻的变化，引导人们正确地理解和认识生活，树立起正确的人生观和世界观。
艺术的审美教育作用大致包括两部分：一是思想宣传鼓动作用。艺术可以成为时代的号角、民族的心声，提高民族的自尊心和自信心。在阶级斗争、民族矛盾尖锐的时刻，它常常成为政治斗争的武器，唤醒民众，团结战斗，具有强大的宣传鼓舞作用。例如我国抗日战争时期，一支《义勇军进行曲》曾成为中华民族奋起血战的号角。在无产阶级革命的年代，一支《国际歌》同样成为全世界无产阶级联合战斗的象征。二是道德情操的熏陶作用，这是教育作用中更为主要的方面。优秀的艺术可以帮助人们区分真善美和假恶丑，培养高尚的道德品质和优美情操，提高人的思想境界，树立正确的人生观，增强生活的信心和力量。古人说文学可以使“怯者勇、淫者贞、薄者敦、顽钝者汗下。”鲁迅把这种教育作用称为“催人向上”。它在人们探索真理、寻求人生价值的途程中是一盏明灯，一种“精神食粮”。唐太宗极喜欢王羲之的行书，因为从中获得对于人生的旷达态度；岳飞从诸葛亮《出师表》学到鞠躬尽瘁、死而后已的精神；列宁从杰克·伦敦的小说《热爱生命》中学到顽强的人生意志，逝世之前还不断请夫人朗读其中的章节。
(3)艺术的审美娱乐功能。
艺术的审美娱乐功能是指通过生动的形象、优美的意境、健康的趣味等给读者、欣赏者以自由的快乐、舒心的休息和审美的愉悦。人们阅读欣赏艺术，其目的往往不是为了专门受教育，也不是着意于认识生活，而是为了寻求精神享受和情感满足，以便在暂时超越的自由境界获得休息。因此，艺术的美感作用是工种自然舒适，不带任何强制性的活动。当人们在观赏一幅色彩绚丽的花鸟画时，聆听刘天华的二胡曲《月夜》时，或者玩味一首李商隐的《无题》诗时，心境是那样平和、安详、从容、恬逸，不啻是一种优美的人生享受。
艺术的美感作用不但在于它的思想内容，也在于它的形式技巧，它们同样是艺术魅力的来源。一部小说巧妙的构思，幽默的表现，惊险的情节，一首乐曲优美的旋律，一幅名画奇绝的色彩，乃至一首古诗平仄谐调的音韵，朗朗上口的节律等等，都能使人心驰神往，与之感应，获得创造性乐趣。
不仅描写美的事物的文艺能引起人的美感，描写丑的事物也能引起人的美感。文艺原有一种化丑为美、点铁成金的功能，现实中许多丑恶的事物在文艺家审美理想的烛照下，在深邃理性的评判下，在高超技巧的处理下，都可以“化腐朽为神奇”，在文艺作品中变成具有美感的艺术形象。
82、艺术形象分类
依据艺术形象的感性形式，可将艺术形象大致分为视觉形象、听觉形象、综合形象、文学形象几大类。
视觉形象是指由人的视觉感官直接感受到的艺术形象，包括绘画、雕塑、舞蹈、书法、摄影、建筑、实用工艺等艺术中的形象。视觉形象具有空间性和直观性的特点。听觉形象是指由人的听觉感官直接感受到的艺术形象，主要指音乐中的形象。它具有时间性、多义性和朦胧性。综合形象是指直接由人的视、听等感官共同感受到的艺术形象，主要指戏剧、影视等综合艺术中的形象。它具有视听统一性和时空统一性，以及生动性的特点。文学形象又称想像形象，是指通过语言文字的描述，在想像中构成的形象，主要指文学作品中的形象。它的特点是间接性和不确定性。
83、音乐形象
音乐的传媒是音响，由于音响具有非语义性、非造形性和流逝性的特点，便造成了音乐形象某种程度的模糊性和不确定性。正如托马斯·门罗所说的：“音乐中暗示出来的情绪总是模糊不清的，并且可以有许多不同的解释。”
音乐形象带有抽象性，它的含义是空灵的、精神性的，因此它不宜描摹现实中的景物形象，也很难具体模仿生活细节。波兰当代著名音乐理论家丽莎说：“在音乐中反映现实的具体性和直接性，比起在美术、文学、戏剧中要弱。”“音乐中表现的是作曲家对现实中现象的反应，而很少(虽然也是可能的)是现象或现象综合体的自身”。虽然在音乐中也可能有一定的模仿再现生活的因素。比如对大自然风雨雷电、流水鸟鸣或人间的钟鸣铃响、马蹄号角等声音做出某种模仿，但即便是模仿也已 ：融进了作曲家的情感，对原始的音响进行了艺术改造，成为主体与客体的统一。例如贝多芬的《田园交响曲》第二乐章，有许多描写自然美景的旋律，模仿出小溪流水、林间鸟鸣等，但作者仍然强调“表观多于描写”，他说：“田园交响曲不是绘画，而是表达乡间的乐趣在人心里所引起的感受，因而是描写对农村生活的一些感觉。”音乐只能通过音乐语言表现作曲家在特定环境下的心境，激发听者的审美想像，而音乐表现的情感也只能有一个大致的范围方向，，很难加以具体确定
音乐的确定性同听觉艺术的特征也是分不开的。在人的视听二器官中，视觉涵盖的面最广，又能产生出具体清晰的图像，最具有直观性和稳定感。而听觉形象只有转化为视觉形象，才能使美感明晰、深化。正如李斯特所说：“视觉这个永远在积极活动的感官，能把音响中产生的形象加以巩固和保持，随着音乐的进展，使它的轮廓变得愈来愈明确。”闻一多认为：“我们中国人鉴赏文艺的时候，至少有一半印象是要靠眼睛来传达的。”俗话说“耳听为虚，眼见为实”，用在音乐欣赏上，也很适合。音乐欣赏的一个重要环节，就是促使听觉通过想像把听觉中的音乐形象转化为心灵中的视觉形象，而这种转化往往是因人而异的，它要受到欣赏者主体条件的限制。同一种音乐形象在不同条件的欣赏者听来，产生的审美效果会大不相同，对于一些音盲而言，就根本谈不上由听觉形象向视觉形象的转化了。
84．巫术说
也称“魔法说”。认为艺术起源于原始民族的巫术仪式活动。它建立在对原始习俗和
巫术信仰的研究基础之上，由英国人类学家泰勒、弗雷泽和法国考古学家雷纳克首先提出。他们从原始人的思维“万物有灵论”出发，认为原始人的一切创作活动都是原始宗教巫术(魔法)的直接表现；描绘动物是为了把它作为魔法仪式和膜拜的对象(如画一头野牛，就希望能获得战胜真野牛的魔力)。这种说法把文艺的产生同人类最早的狩猎活动和信仰崇拜、原始宗教联系起来，确有一定的合理因素。但原始艺术不都同巫术、魔法有关，在人类的巫术活动之前已有了审美活动，巫术并未先于艺术，也并非与艺术同源。实际上，巫术、魔法也是社会生产力发展到一定阶段的产物，如果没有劳动生产，巫术魔法活动也就不会产生，故而它并未能揭示出文艺起源的根本原因。 。
85、艺术体验
是创造主体在长期积淀的审美经验的基础上，充分调动情感、想像、联想等心理要素，对特定的审美对象进行审视、体味和理解的过程。艺术体验是艺术创造的准备阶段，主要表现在以下三个方面：
(1)材料的储备和审美经验的积累。
艺术创作的材料来源于社会生活。一般来说，获取艺术创作材料的途径，可分为直接的与间接的两种方式。艺术家直接参与某一方面的社会生活实践，并将自己置身于其中，获得深切的生活感受。间接的方、式是艺术家通过查阅文化典籍、图书资料、报纸期刊，以及听他人讲述、搜集民间传说、社会调查等活动，了解和掌握大量的社会生活材料。审美经验的积累是艺术创造过：程的必要准备，艺术家应当依据自己对生活的认识和审美评价，对客体事物进行深入的审美体验，从中产生独特的艺术感受。
(2)艺术的体验和审美发现。
艺术的体验是一种审美体验，是创造主体对丰富的人生经验的凝聚、深化，也是对客体事物的深层把握。要求艺术家仔细地观察生活，深切地感受生活，认真地思考生活，以强烈的情感去体验生活。审美发现是艺术家在社会生活中积累了一定的生活材料的基础上，依据自己认识生活和评价生活的思想原则和审美倾向，对外在事物进行观察和审视时所得到的一种独特的感知。审美发现的特点是，艺术家从常见的事物中独具慧眼地看出某种新因素，从别人熟视无睹的现象上察觉出非凡意蕴，从极平凡的形式中发现不同的排列组合方式。罗丹曾说：“所谓大师就是这样的人，他们用自己的眼睛看出别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。”
(3)创造欲望的萌动及动机的生成。
艺术创造舶发生，还需要较强的创作欲望和动机所驱使。艺术家在观察生活、思考生活、体验生活的过程中，生活材料的储备和审美经验的积累在脑海里积贮得越来越多，一旦某种外部原因的刺激触动了艺术家心理上的敏感点，艺术家的创作激情就会像开闸的洪水一样喷涌而出，一发而不可收，形成强烈的创作欲望，并产生创作动机。创作动机作为完善艺术发现、完成艺术作品、达到创作目的的隐秘而又强大的内在动力，在创作活动中具有相当重要的意义。创作动机有远景动机和近景动机之分。远景动机指艺术家从事艺术活动之初所萌生的宠大动机。例如巴尔扎克试图用笔取得拿破仑用剑取得的辉煌，鲁迅试图改造国民性、改良社会等。近景动机特指艺术家从事某部作品的具体的创作动机。创作动机是复杂多样的，一般还可以分为主导动机、非主异动机、高尚动机、卑下动机、有意识动机和无意识动机等类型。
86、艺术与经济
艺术属于上层建筑，艺术发展的根本原因也在于经济基础与上层建筑的矛盾中。经济基础是指与生产力的一定发展阶段相适应的占统治地位的生产关系的总和，上层建筑则是建立在一定经济基础之上的社会的政治、法律、宗教、艺术、哲学等观点，即思想或意识形态上层建筑，以及与这些观点相应的政治、法律等制度和设施的复杂系统，即政治上层建筑。毫无疑问，艺术属于意识形态，上层建筑。
在经济基础与上层建筑的矛盾中，经济基础是决定的方面，决定着上层建筑，因此，社会精神现象和政治现象及其发展的根本原因和动力是社会的经济发展。不言而喻，艺术发展的根本原因和动力也是社会经济的发展，经济基础对艺术发展的作用可从下列几方面来看：
(1)经济基础的变更促进艺术或迟或早发生变革。作为上层建筑之一的艺术，是由社会经济基础决定的。艺术的内容和形式，都要受一定的经济基础的制约。经济基础的变更和发展，也必然导致艺术或迟或早地发生变革和发展。如在欧洲，当奴隶主经济，基础形成以后，就产生了与之相适应的古希腊、罗马艺术。随着奴隶制的消亡，封建的地主阶级所有制建立，就产生了中世纪的封建主义艺术。
(2)生产力和．生产关系相互适应会促进艺术的繁荣发展。艺术的繁荣发展常常是经济繁荣的结果，例如我国唐代以杜甫、李白为代表的诗歌盛期以及音乐、舞蹈、绘画等艺术的繁荣，就是经历了一段经济繁荣而带来的文艺繁荣。
(3)当旧的生产关系束缚了新的生产力，反映新兴社会力量的进步艺术就会为新的生产力制造舆论、呐喊助威，从而促进艺术的发展。如19世纪反对农奴制、要求改变落后状态的俄国文学，我国“五四”时期反帝反封建的新文学等，都反映了新的社会经济发展的要求，体现了人民群众变革现实的强烈愿望，因而得到了巨大发展。
(4)虽然政治、宗教、哲学、道德等其他社会意识形态都对艺术发展有着重要影响，但这些中间环节自身也受经济的制约和决定。它们影响艺术发展时，其背后还是经济因素在起决定性的作用。
当然，经济发展决定艺术的发展不是绝对的。在社会发展历史的某些阶段，艺术的发展与经济的发展并不总是同步，有时艺术发展得快些，有时慢些，有时甚至与经济呈相反方向发展。这种现象，正是马克思所指出的经济与艺术或物质生产与精神生产的不平衡关系。这种不平衡性表现在三个方面：
一是对历史发展不同时代作纵向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。如现代的经济发展水平肯定高于古希腊的经济水平，但现代的艺术不一定高于古希腊艺术的水平。二是对同一时代不同地区、不同国家作横向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性例如19世纪的俄国，经济上远远落后于西欧资本主义各国，但艺术领域却呈现出空前繁荣的局面。三是对艺术内部不同艺术种类作比较，艺术与经济的发展有不平衡性，就是说，在同样的经济基础上，有的艺术种类发展了，有的却根本得不到发展。所以，那种认为“经济繁荣，艺术一定繁荣；经济衰退，艺术也就衰落”的看法是缺乏根据的。但是这不能否定经济对艺术发展的决定作用。
87、艺术的审美功能
①审美认识功能(或审美认知功能)。(2分)指通过艺术鉴赏活动，更深刻地认识自然、社
会、人生。(1分)
②审美教育功能。(2分)引导人们正确理解、认识生活，受到真、善、美的熏陶感染，树立正确的
人生观、世界观。(1分)
③审美娱乐功能。(2分)满足审美需要，获得精神享受和审美愉悦。(1分)
④三种功能是一个有机整体，不可分割。(1分)
88、灵感
是指艺术家在创造活动中，由于大脑皮质(或大脑皮层)的高度兴奋所产生的一种特殊的心理状态，是艺术家在抽象思维和形象思维的基础上，意识和无意识的相互作用，突然激发的、情绪特别亢奋、极富创造力的精神状态。(4分)
注：凡作出相近表述者同样给分。
②灵感有三个主要特征：突发性(2分)、超常性(2分)、易逝性(2分)。
89．艺术家的修养
①艺术家的修养：进步的世界观和审美倾向；广博的知识；深邃的思想；丰富的情感和独立的人格。(4个要点各1分，作出阐述加1分)
②艺术家的能力：敏锐的感知能力：丰富的想像能力；精湛的艺术技能。(3个要点各1分，作出阐述加2分)
90．意境
是指艺术形象或情境中呈现出的情景交融、(2分)虚实统一(或虚实相生)，(2分)能够蕴含和昭示深刻的人生哲理及宇宙意识的至高境界，(2分)它是主体情感与客观物象的有机统
一。(2分) 注：凡作出相近表述者同样给分。
91、继承和创新
①在艺术发展的各种因素中；继承和创新是一对重要的范畴和基本的规律。(2分)
②艺术在它的发展过程中其内在结构是有继承性的。(2分)
③艺术的历史继承性，首先表现为对本民族艺术遗产的吸取和接受，以及对其他民族租国家优秀文化和艺术成果的吸纳；艺术的历史继承性，在艺术的形式与技巧、内容、审美观念和创作方法等方面均有突出的表现。(4分)
④继承和创新是紧紧连在一起的，没有继承，便不会有创新。在艺术发展中，继承是手段，创新是目的。(3分)
⑤为了创新，就要对过去的文化遗产取其精华，去其糟粕。同时，又要坚持在艺术内容、艺术形式，艺术语言、艺术表现手法等方面的创新。(4分)
⑥说明：本题应当举例论述。可以从艺术作品、艺术家、艺术流派、艺术思潮等举一至两个例子，论述继承在形式与技巧、内容、审美观念、创作方法等其中一个方面的具体表现，以及创新在艺术内容、艺术形式、艺术语言、艺术表现手法等方面的具体体现。可以在理论阐述中央叙夹议，也可以在理论阐述后举例。举例论述的要求：例证准确，观点正确，论述严谨，行文流畅。(10分)
92．直觉与感知
①艺术直觉是指人们在审美活动中对于审美对象具有一种不假思索而即刻把握与领悟的能力。审美感知是指人们在注意审美对象形式特点的同时，也已开始关注审美对象的意义。(5分)
②体验与想像。主体以自身审美经验为基础，潜入作品规定情境之中进行审美体验，不断推进与作品中情感的交流与融合。同时由于审美想像和联想的展开，鉴赏者可以与作品或艺术家对话，洞察其深层意蕴，并使审美愉悦逐渐生成。(5分)
③理解与创造。理解既包括对于作品的形象、情境、形式、语言的审美认知，也包括对于作品整体价值的追寻。艺术，鉴赏的目标是接受者再创造的完成。鉴赏者对于作品形象、情境、典型和意境的补充、完善与变异，正是再创造的结晶。(5分)
④说明：本题可以以自己鉴赏一部作品的过程为例，可以结合理论夹叙夹议，也可以在理论阐述后举例，论述自己在艺术鉴赏中对直觉与感知的体会、体验与想像的把握，以及理解与创造的实现。举例论述的要求：例证准确，观点正确，论述严谨，行文流畅。(10分)
93、为什么说审美情感是艺术创造的中介？
情感是人对客观现实的一种特殊的心理反映形式，审美情感则是审美主体对客观审美对
象是否符合自己的精神需要所作出的一种心理反应。审美情感在艺术创造中起着十分重要的作用，情感不仅是引发艺术家创作冲动的重要因素，而且贯穿于艺术创造的全过程，是推动艺术创作的基本动力和中介。
(1)艺术家是以情感为触媒，进行审美感知，激发审美想像的。
(2)艺术家情感的性质和强烈的程度往往决定着作品的感情倾向、格调的高低。
(3)艺术家的情感可以激活各种想像和联想的客体材料，使之生发出与主体相契合、相吸引的情感因素从而达到情景交融、物我合一的艺术境界。
总之，作为艺术创造的中介，情感在创造活动中是联系感知、表象、想像、联想、理解、判断等心理因素的中间环节，是将诸种心理功能综合在一起的“混凝土”。由于它的中介作用，艺术创造过程中的各个环节会紧紧相扣、循序渐进，各种审美心理要素会体现出相同的审美趋向，为创造艺术形象发挥作用。
94、艺术传播
方式主要有三种：即现场传播、展览性传播、大众传播。
现场传播，即传播主体与受传者在特定的场合直接进行艺术信息的传递；沟通、交流。如音乐、舞蹈；戏剧等的演出，以及文学作品的朗读，都是现场传播方式。现场传播方式属于人际传播，其特征是作为传播主体的艺术家与受传者同时在场，没有复制媒介的参与，信息传输与信息反馈直接完成，现场效应显著。
展览性传播，即利用特定场地将艺术作品进行陈列展示，受传者直接面对艺术作品，从而获得三术信息。如绘画、雕塑、书法、摄影、工艺品等造型艺术和实用艺术门类，都经常采用展览性传播方式。各种美术馆，博物馆是艺术信息展览性传播的重要场所。
大众传播，即借助印刷品(书籍、报刊)、摄影、广播、电影、电视、多媒体、互联网等大众传播媒介壬行艺术信息传输。电影作为现代的艺术门类，自诞生之日起就采用了大众传播方式。至于文学、绘画、雕塑、书法、音乐、舞蹈、戏剧等传统艺术门类，也都可以采用大众传播方式。大众传播方式依·托于现代科技手段，具有复制量大，传播面广，超越时空局限，方便快捷，自由灵活，生动诱人等优势，潜移默化地渗透到了现代社会生活的各个层面，对于艺术的发展普及意义重大。不过，大众传播方式主要是复制艺术信息，其受传者庞杂而不确定，信息反馈也较为困难，因此并不能取代现场传香方式和展览性传播方式。
95、悲剧、喜剧和正剧
按照戏剧冲突的性质戏剧可分悲剧、喜剧和正剧三大类。
(1)悲剧。
悲剧，是表现特定环境下的正义善良的人物遭受邪恶势力的迫害而失败甚至毁灭，揭示进步力量与美好事物受压抑、被摧残的矛盾冲突，并抒发扰患意识与悲愤情感的一种戏剧。悲剧的主人公必需具有某种值得肯定的正面素质，一般都是正面人物或英雄人物。造成悲剧的原因多种多样，或因正义事业的失败，或因遭到坏人陷害’，或因自身某些缺点错误而酿成严重恶果。观众对于悲剧主人公从事的正义斗争，往往产生崇敬和钦佩之情，对他们的失败受难或牺牲，产生由衷的同情。
悲剧，因主人公情况不同，其思想意义和审美效应也有差别。英雄悲剧，体现代表历史发展趋向的先进力量与阻碍历史发展的反动势力的矛盾冲突，能激起人崇高敬仰之情。如艾斯库罗斯的《被缚的普罗米修斯》、阳翰笙的《李秀成》等。善良人的悲剧，描写善良人物遭受黑暗邪恶势力的迫害，如《窦娥冤》、《梁山伯与祝英台》等。大多反映正义与邪恶、真善美同假恶丑之间的冲突，引起人的常是怜悯、同情和悲痛之情。而有缺陷人的悲剧，如《奥赛罗》中主人公因忌妒轻信而掐死妻子最后自杀。《日出》中的陈白露因贪图虚荣而难以自拔。主要揭示人物的性格弱点和社会道德问题，多引起人惋惜、感叹和思索。
(2)喜剧。
喜剧的性质与悲剧相反，一般是以嘲笑丑恶落后的现象或揭露不合理的伪善的东西，来肯定美好、进步的现实或理想。喜剧的主人公大多是反面人物或有缺点的人物，矛盾冲突的结局往往是反面人物被揭露，代表进步力量的主人公取得胜利。
喜剧最突出的审美效应是笑，它常以诙谐的台词，巧妙的结构，夸张、巧合、误会等手法，表现人物的可笑性，所以有人说喜剧是引人发笑的艺术。·不过，喜剧在笑的背后还往往隐藏着丰富的思想内涵，揭示深刻的社会意义。随着喜剧性质的不同，笑的性质也有所不同。除了专以嘲讽丑为目的的讽刺喜剧外，还有另外两种喜剧。一是幽默喜剧，它以善意温和的态度，批评那些有缺点有错误的好人。还有一种抒情喜剧，其中没有反面人物和丑恶现象，而是以歌颂、赞美正面人物和美德为主，只是它采用了人物之间的误会、巧合、变形、夸张等手法，构成一系列带有冲突性的笑料，引发观众的是一种轻松愉快的笑，如莎士比亚的《第十二夜》、我国的《五朵金花》等。
(3)正剧。
正剧就是悲喜剧，它兼有悲剧和喜剧的因素。它是18世纪法国启蒙运动中从悲剧与喜剧中改堇出来的资产阶级的“近代戏”，故又称“启蒙戏剧”。它是“介乎英雄悲剧和轻快喜剧之间的中间类引严肃戏剧”。博马舍第一个把这种戏剧称之为“正剧”。正剧中主人公的选择，不再像过去的悲剧或喜剧那样受限制，它可以是崇高伟大的英雄，也可是卑鄙龌龊的小人。正剧的题材既可以是严肃的社会现实问题或伦理道德问题，也可以是接近于市民生活的凡人小事，剧情中既有令人感伤流泪或不完美结局的悲剧周素，又有批判现实的不合理，正义获得胜利的喜剧色彩。
96、摄影艺术的特征
大致有三方面：
(1)特定的时空。
摄影艺术只能摄取生活中的某一瞬间，即一定的时空。然而，对这一瞬间的要求是十分严格的，它必须捕捉生括中最富于审美价值和深刻意味，最能够呈现出对象的全部光彩，能给人以丰富的美感享受的顷刻。所以，这二瞬间，实际上是创造一个最美的独特的时空。这是摄影艺术区别于一般日常摄影的根本所在，也是决定摄影艺术审美价值高低的重要标志。所以，摄影家为了创造这一特定时空，就必须调动他的一切才华、技巧，乃至摄影设备、器材等。从选景、采光、视角等各个方面着手努力，方能取得理想效果。
(2)营造的真实。
摄影艺术是运用科学技术手段逼真地再现拍摄对象，使对象具有客观性、真实性，给人以逼真感。它必须直接面对被拍摄对象进行现场拍摄，如实地反映现实生活中实际存在的人物、事件和环境。现在摄影也可以用“合成”等技法营造理想的或奇异的形象，但用来进行合成的部分仍然是面对实际事物拍摄下来的影像。摄影无论用什么手段进行后期的再创作，都离不开实物拍摄的基础。不过，摄影作品上的艺术形象不一定都是实物的原则，它只需给人以真实感即可。有时面对人工制作的布景、道具(如纸花)仍可拍摄出看似逼真的画面。所以实际上摄影的真实乃是一种人工营造的真实。
(3)光影的结合。
要使摄影具有艺术性，就需要熟练掌握摄影的艺术技巧和艺术语言，熟练运用画面构图、光线、影调三种主要的造型手段。其中光线与影调(包括彩色摄影的色调)是摄影的独特造型手段，摄影用光包括正面光、侧面光、逆光、顶光、脚光等，具体拍摄时灵活运用，可以加强画面的空间感和立体感，创造氛围，烘托主题，使作品具有感人魅力。影调和色调也是摄影艺术的一个重要造型手段，影凋是指黑白照片上所表现的明暗层次，色调是指彩色照片上色彩的对比与和谐。影调和色调通过艺术处理，可以产生影调层次、影调对比、影调变化和色彩变化、色彩反差、色彩和谐等艺术效果，使摄影作品具有浓郁的情感色彩和丰富的表现力。
后记：整理此题库颇耗时日，眼晕手酸，三喜三厌。暂结于此，聊酌淡酒，为一贺耳。
TOP考研论坛 - [url]http://bbs.topkaoyan.net[/url] DDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDDD 很好的资料啊
页:
[1]